那幅《鲁迅先生》的肖像，如同一道精神上的“定风桩”，牢牢地楔在了展厅的入口。它所带来的、那种属于一个战士的、刚硬而锐利的冲击力，让两人一时间都有些失语。
他们沉默地，并肩走过了那幅肖像，踏着那会发出“咯吱”轻响的木地板，正式走进了这个由黑、白、灰构筑的，属于力君老先生的“刀笔春秋”。
正如介绍所言，展览馆拿出了整整两个侧厅。第一个展厅，几乎完美地复刻了老先生的革命生涯。作品的年代，从三十年代末，一直贯穿到五十年代初。
《黄河在咆哮》、《矿工图》、《丈量土地》、《参军去》……
一幅幅充满了力量感、却也充满了时代印记的作品，在聚光灯下，无声地讲述着那个烽火连天的过去。那些粗粝的线条，大块的、不留余地的黑色，与纸张本身的苍白形成的强烈对比，都在诉说着同一个主题——斗争，生存，与希望。
彦宸和张甯，都看得很认真。
尤其是张甯，她的目光，会下意识地去分辨那些刀法。她能从那些平行的、交错的、V形的刻痕中，感受到创作者在下刀时那股坚定的、毫不犹豫的力量。这确实是一种，如她之前所想，用“刻”而非用“画”来完成的艺术。
但……
当这种风格的作品，一连看了三十多幅之后，那种最初的、被《鲁迅》所带来的震撼感，便不可避免地，开始被一种源于“审美疲劳”的“沉重感”所取代。
毕竟，他们才十七岁。
他们是活在1990年的、和平年代的、即将迎来信息时代序幕的青少年。他们所熟悉的，是彩色电视机里明亮的画面，是香港流行歌星们绚丽的MV，是大街上正在日渐五彩缤纷的着装潮流。
而眼前这片“黑白的世界”，对他们而言，实在是太“重”了。
它就像一部过于严肃的、只有黑白两色的历史纪录片，值得尊敬，却难以“欣赏”。
彦宸开始还能小声地、装模作样地评论几句：
“哇，这张《大丰收》刻得真喜庆……”
“嗯。”
“这张《开山渠》真有气势……”
“嗯。”
当张甯的回答，从“我看看”简化为“嗯”的时候，彦宸就知道，他们俩的“艺术细胞”都已经到极限了。
他俩不约而同地加快了脚步。
彦宸心里在小声嘀咕：这比陪老妈逛百货大楼还累。老妈那至少还有五颜六色的衣服看，这里……黑的，白的，黑白相间的……偶尔有一幅套色的，也不过是多了一点简单的土黄或者暗红。
张甯的感受则更为直接：从信息接收的角度来说，这些画作的“密度”是足够的，但“信息复杂度”却在不断重复。当她的大脑已经完全掌握了这种“黑白斗争”的艺术范式后，后续的作品，就很难再给她带来新的“刺激”了。
穿过连接两个展厅的狭窄通道，他们进入了第二个展厅。
光线，似乎稍微明亮了一些。
这个厅的作品，显然是老先生中后期的创作。革命的硝烟味淡去了，取而代之的，是更多的、关于“生活”与“自然”的描绘。
《江南水乡》、《牧童短笛》、《北国风光》……
色彩，也开始变得丰富起来。套色版画的技法明显变得纯熟，出现了三色、四色甚至五色的叠加，画面顿时变得生动而富有层次。
“哇，这个好看。”他指着一幅色彩明艳的《瓜叶菊》小声说道。那是一盆盛开的、充满了生命力的花卉，紫红与翠绿交织，充满了生活的情趣。
张甯也点了点头。如果说上一个展厅是“战士”，那这个展厅，才更像一个“画家”。
她看到了那幅着名的《北海之春》，碧绿的垂柳，金黄的屋顶，蓝色的湖面，春意盎然。她还看到了《黎明》，清晨的薄雾中，一轮红日正从山峦间升起，光芒万丈。
这里的刀法，明显变得更细腻、更复杂、也更“温柔”了。
两人的脚步，不自觉地又慢了下来。
彦宸长长地舒了一口气：“呼……好多了。这个我就能看懂了。山山水水，花鸟鱼虫，多好。”
他的脚步，在一个小小的角落里停了下来。那里挂着一幅尺幅不大、却格外生动的黑白版画。
那幅画，就是张甯昨晚做过功课的，《林间》。创作于1980年。
张甯也走了过来，并肩站在他的身旁。
这一次，她的目光，不再是“分析”，而是被一种纯粹的、生动的“美”给吸引了。
这幅画，是黑白，却胜过彩色。
它完美地诠释了什么叫“以刀代笔，以木为纸”。
画面的主角，是两只在松树枝上嬉戏的松鼠。画家没有用一根线条去“勾勒”松鼠的轮廓，而是用一种令人炫目的、细碎的“刀法”，在黑色的底版上，直接“刻”出了松鼠那蓬松的皮毛。
那些白色的“刻痕”，就是皮毛本身，就是光。它们是如此的生动、如此的富有弹性，以至于那两只松鼠仿佛下一秒，就要从那坚硬的木板上、从那凝固的时光中，一跃而出。
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